25 films les plus importants que vous devriez déjà avoir regardés

Divertissement

Bien que les nouveaux films puissent avoir une influence sur le médium, il est beaucoup plus probable que les films plus anciens prennent les devants (mais gardez un œil sur cet espace pour les films les plus significatifs du XXIe siècle). Ils l'ont fait en premier après tout. Bien que les films ultérieurs puissent être plus attrayants ou divertissants visuellement, il existe une distinction claire entre « le meilleur » et « le plus important ».

Du coup, ce ne sont pas vraiment des films de famille, mais c'est très bien car les films ne doivent pas toujours être sérieux. Ces films sont cependant destinés aux cinéphiles et aux cinéastes. Bien qu'il y ait un certain chevauchement, ces films étaient les meilleurs pour influencer les autres; c'étaient eux qui marchaient pendant que vos favoris couraient ; ce sont les films les plus importants qui aient jamais été produits.

Table des matières

• 1 8½ (1963)
• 2 2001 : L'Odyssée de l'espace (1968)
• 3 Un tramway nommé Désir (1951)
• 4 Tout calme sur le front occidental (1930)
• 5 Cuirassé Potemkine (1925)
• 6 À bout de souffle (1960)
• 7 Citoyen Kane (1941)
• 8 Double indemnité (1944)
• 9 Au pays des chasseurs de têtes (1914)
• dix Intolérance (1916)
• onze Homme à la caméra (1929)
• 12 Métropole (1927)
• 13 Nosferatus (1922)
• 14 Rashomon (1950)
• quinze Rome, ville ouverte (1945)
• 16 Blanche-Neige et les sept nains (1937)
• 17 Diligence (1939)
• 18 Les 400 coups (1959)
• 19 Les Aventures de Robin des Bois (1938)
• vingt Le chariot fantôme (1921)
• vingt-et-un Le septième sceau (1957)
• 22 Le Magicien d'Oz (1939)
• 23 Troubles au paradis (1932)
• 24 Un Chien Andalou (1929)
• 25 Dans nos portes (1920)

8½ (1963)

Le célèbre Sunset Boulevard et Sullivan's Travels sont deux exemples de films sur des films réalisés avant 812, mais ce n'est qu'avec l'image rêveuse et pleine d'angoisse de Federico Fellini qu'ils ont vraiment formé un genre à part entière.

Dans le même ordre d'idées, alors que les cinéastes s'étaient lancés dans des œuvres fortement autobiographiques sur eux-mêmes, Fellini a inspiré toute une vague de cinéastes à faire des films sur des cinéastes en difficulté essayant de faire des films, dont Woody Allen (dans son 812 arnaque, Stardust Memories), Truffaut (dans Day for Night), et à peu près tous les autres réalisateurs qui ont émergé au cours des 30 dernières années narcissiques. Tous les artistes seraient attirés par les scènes étranges de Fellini, mélanges de sexe et de chagrin, et méta-méditations sur les films.

2001 : L'Odyssée de l'espace (1968)

Des comédies comme Dr. Strangelove aux épopées historiques comme Barry Lyndon et, bien sûr, la science-fiction avec le chef-d'œuvre intemporel 2001 : l'Odyssée de l'espace, Stanley Kubrick n'a cessé de révolutionner les genres. On peut dire que 2001 a été la première grande film de science-fiction fabriqués à l'époque moderne. Avec son exploration psychédélique, il a merveilleusement capturé l'ambiance hippy-dippy rêveuse de l'ère hippy-dippy.

Cette image d'une expédition compromise vers Jupiter est pleine de délicatesse et d'une direction vraiment magistrale, mais ce sont les effets spéciaux révolutionnaires et la conclusion avant-gardiste qui lui donnent une signification si cruciale.

Un tramway nommé Désir (1951)

Un tramway nommé désir serait un très bon film qui aurait facilement pu rester une pièce de Tennessee Williams sans son intrigue psychologique complexe et son dialogue époustouflant, mais c'est le jeu spécifiquement cinématographique qui en fait l'un des films les plus importants jamais réalisés. Même si l'ensemble du casting est presque sans faille (Vivien Leigh, Kim Hunted, Karl Malden, Peg Hillias), A Streetcar Named Desire a ce qui pourrait être Stanley Kowalski de Marlon Brando comme la performance la plus importante de l'histoire du cinéma.

Alors que Brando avait déjà montré ses talents au cinéma dans The Men, il l'a fait ici tout en se produisant également dans la pièce de William Shakespeare, fusionnant ses antécédents de scène et de cinéma pour créer un jeu de film moderne. Le mouvement New Hollywood et des acteurs comme De Niro, Pacino, Hackman et Hoffman ont été rendus possibles par la performance de Brando, qui a présenté à Hollywood l'authenticité, la spontanéité et la tension névrotique du jeu d'acteur dans la vie réelle.

Tout calme sur le front occidental (1930)

Lewis Milestone, l'un des réalisateurs de divertissement les plus travaillants, était un maître des adaptations cinématographiques et c'est son meilleur. Il a également réalisé Of Mice and Men, Mutiny on the Bounty et The Front Page, tous des classiques, et c'est l'un des premiers grands films de guerre, All Quiet on the Western Front, un récit émotionnellement puissant et cinématographique captivant de jeunes hommes sur le front de la Première Guerre mondiale.

L'épopée américaine suit les étudiants alors qu'ils passent d'idéalistes à des vétérans traumatisés et désabusés dans les lignes de front et les tranchées de la guerre. La vision du monde de tous les films anti-guerre, ainsi que pratiquement tous les aspects techniques des films de guerre, ont été impactés par All Quiet on the Western Front. Même s'il a été créé en 1930, il faut encore le voir.

Cuirassé Potemkine (1925)

Bien que le montage n'ait pas été inventé par Sergei Eisenstein, il l'a maîtrisé d'une manière qui montrait des aspects du film qui n'avaient jamais été vus auparavant. Eisenstein a introduit le matérialisme marxiste au cinéma à travers la dialectique du montage, mélangeant des plans avec des plans inversés pour créer des séquences plus grandes et plus puissantes. Il l'a fait en mettant davantage l'accent sur le montage et les angles de caméra que les réalisateurs précédents.

La mutinerie de la marine russe qui a déclenché la révolution russe et la création de l'Union soviétique a été dramatisée dans le premier chef-d'œuvre du cinéma soviétique, Battleship Potemkin.

À bout de souffle (1960)

Concernant la Nouvelle Vague française, beaucoup pensent qu'elle s'est divisée en deux courants principaux : les films plus expérimentaux et politiques de Jean-Luc Godard, qui réinterprétaient l'histoire d'Hollywood dans le contexte particulier de la France des années 1960, et les films plus spontanés, émotionnels et romantiques de François Truffaut. films. À bout de souffle (ou bout de souffle), le premier long métrage de Godard, est devenu instantanément célèbre avant qu'il n'entre en politique.

Le film, qui met en vedette les attachants Jean-Paul Belmondo et Jean Seberg (dont la coupe de lutin emblématique a eu un impact sur la mode pour toujours), est un examen approfondi du cinéma, de la jeunesse et des rêveurs qui suit un criminel mineur alors qu'il marchande et tombe désespérément amoureux d'une journaliste. À bout de souffle a révolutionné le cinéma avec plus d'intensité dans les 10 premières secondes que la plupart des films entiers.

Citoyen Kane (1941)

Oui, c'est celui que nous connaissons tous. Même si beaucoup de gens croient à juste titre que Citizen Kane est le meilleur film jamais produit, cela ne nie pas la réalité qu'il a changé à jamais le langage du cinéma. Cependant, à ce stade, nous en avons probablement tous marre d'entendre parler de Citizen Kane.

Double indemnité (1944)

Double Indemnity est une représentation brillante des impulsions mal dirigées et de l'obsession obsessionnelle de Billy Wilder et Raymond Chandler. C'est l'un des plus beaux films noirs et l'un des premiers authentiques. Une femme fatale (une Barbara Stanwyck sans faille) et l'imbécile qui tombe amoureux d'elle (un Fred MacMurray tout à fait moyen en tant que sac à dos pour tout le monde) complotent pour tuer son mari afin qu'ils puissent récupérer assurance l'argent dans le film.

Après la Seconde Guerre mondiale, une vague de chefs-d'œuvre cyniques et nihilistes qui ont défié la notion d'exceptionnalisme américain et d'absolus moraux a commencé avec Double Indemnity. Alors que d'autres films noirs des années 1940 étaient peut-être supérieurs (Out of the Past) ou plus étranges (D.O.A.), Wilder's Double Indemnity est arrivé le premier et a élevé le genre avec un scénario sans faute. Dans ce classique drôle et caustique, Edward G. Robinson offre l'une des plus grandes performances de tous les temps en tant qu'enquêteur en assurance.

Au pays des chasseurs de têtes (1914)

In the Land of the Head Hunters a été le premier documentaire à le faire, et il l'a fait avec un succès surprenant. Plus tard documentaires comme Nanook of the North et The Great White Silence attireraient naturellement plus d'attention. Le peuple Kwakwakawakw de la Colombie-Britannique a fait l'objet du film étrange et troublant d'Edward Curtis, qui a été réalisé une douzaine d'années avant que le terme «documentaire» ne soit développé.

Au pays des chasseurs de têtes humanise les gens d'une manière beaucoup plus empathique que d'autres courts métrages et études ethnographiques, malgré le fait qu'il soit techniquement scénarisé, tout comme la plupart des premiers documentaires. Le film relate également de nombreux rituels, tenues et œuvres d'art authentiques de la culture.

Intolérance (1916)

D. W. Entre 1915 et 1921, le réalisateur D.W. Griffith a eu une course incroyable, créant de nombreuses œuvres d'art qui changeraient de façon permanente la façon dont les films étaient réalisés. Bien que Naissance d'une nation ait été sa première grande épopée, sa réputation ternie la limite à une simple pertinence scientifique. Sa photo suivante, Intolerance, est toujours sa meilleure; il tire le meilleur parti des expériences cinématographiques qu'il a commencées avec la technologie disponible dans une histoire anthologisée à la fois fascinante et émouvante.

Ironiquement loin de l'horreur de Birth of a Nation, Intolerance était un examen de l'injustice à travers l'histoire humaine, de Babylone à la Californie moderne, et il est toujours émotionnellement puissant aujourd'hui. C'est peut-être la première épopée idéale avec ses plans de poupée savamment produits, ses décors énormes et ses légions de figurants.

Homme à la caméra (1929)

Le chef-d'œuvre soviétique Man with a Movie Camera est un autre film expérimental, mais il a une esthétique et un dynamisme entièrement différents de Un Chien Andalou, et il a peut-être l'invention la plus cinématographique de tous les films. Dziga Vertov a exploré la technologie et les processus impliqués dans la réalisation de films, contrairement au film précédent, qui se concentrait davantage sur les idées et les images.

Ce film incroyablement méta sur un directeur de la photographie filmant différents quartiers de Moscou, Kiev et Odessa intègre et innove sur les coupes de correspondance et de saut, le mouvement rapide et lent, les angles néerlandais, l'écran partagé, de nombreuses expositions et l'animation en stop-motion.

Métropole (1927)

Fritz Lang a inventé bon nombre des techniques cinématographiques qui allaient caractériser la science-fiction pendant de nombreuses années avec Metropolis. Le film allemand, qui maîtrise les premiers clichés comme les androïdes ou les cyborgs, les avenirs dystopiques et le prolétariat en difficulté sous un vernis scintillant, est en quelque sorte le livre de science-fiction 'Ur' pour le cinéma.

Dans les années 1930, Metropolis a utilisé des miniatures d'une manière qui a contribué à inspirer des films fantastiques et de science-fiction fantastiques comme King Kong et Things to Come. Le monde futur imaginé par Lang et son équipe est minutieusement détaillé, la sous-classe peinant avant d'employer un puissant androïde pour renverser la classe supérieure.

Nosferatus (1922)

Nosferatu, sans doute le film d'horreur muet le plus célèbre, a été réalisé en adaptant vaguement le roman de Bram Stoker pour raconter l'histoire d'un vampire entrant dans une petite ville et traquant une jeune femme. Bien que l'horreur fasse partie du cinéma depuis sa création à la fin du 19e siècle et ait alors le pouvoir d'effrayer le public, la plupart des téléspectateurs ont maintenant du mal à se connecter à l'horreur à cause de la technologie archaïque.

Cependant, Nosferatu est toujours incroyablement effrayant aujourd'hui, et il a eu un impact significatif sur le développement de l'atmosphère et des peurs de saut tout au long du siècle suivant. Cela est dû en partie à l'excellente direction de F.W.. Murnau, qui a produit certains des meilleurs films des années 1920, mais la performance exceptionnelle de Max Schreck, qui était si troublante que certains pensaient sincèrement qu'il était un vampire, fournit la majorité des frayeurs. Aujourd'hui encore, 100 ans plus tard, Nosferatu fait toujours peur.

Rashomon (1950)

Avec son brillant film Rashomon, le légendaire Akira Kurosawa a contribué à l'introduction de narrateurs peu fiables, de la subjectivité postmoderne et de l'ambiguïté éthique au cinéma. Bien qu'il ne soit peut-être pas aussi cool, grandiose ou passionné que certains de ses autres films, l'examen de la mémoire et la déconstruction du récit de celui-ci en font un classique universel avec une influence sans fin.

L'histoire tourne autour de trois témoins distincts témoignant lors d'un procès et fournissant trois récits distincts du même crime, chacun clarifiant et complétant les autres tout en obscurcissant d'autres aspects de la réalité. Rashomon est une expérience fascinante de narration qui fait un bel usage de la pluie et présente une performance folle de Toshiro Mifune.

Rome, ville ouverte (1945)

Le chef-d'œuvre de Roberto Rossellini, Rome, Open City, était peut-être le premier chef-d'œuvre d'après-guerre, étudiant le traumatisme et la destruction laissés à la suite de la Seconde Guerre mondiale. Rome, Open City suit la résistance contre les nazis allemands et les fascistes italiens à Rome vers 1944 alors que le côté perdant devient plus violent et désespéré, et se concentre principalement sur un prêtre déterminé à aider et à sauver autant de personnes que possible.

Alors qu'Umberto D., Paisa ou Shoeshine sont peut-être de meilleurs films néo-réalistes italiens, et que celui-ci est plus stylisé et mélodramatique que la plupart, son importance vient de son cadre historique et de sa proximité avec le thème tragique de la guerre. Rome, Open City, un documentaire tourné dans les rues délabrées et montrant à quel point l'Italie et le reste du monde ont été perturbés après la guerre, est toujours incroyablement émouvant.

Blanche-Neige et les sept nains (1937)

Blanche-Neige et les sept nains ont brisé le barrage de créativité pour les images animées, submergeant régulièrement le marché. Trois ans plus tard, Walt Disney ferait un plus grand travail avec Fantasia. Grâce à sa musique et à son langage charmants, à ses animations époustouflantes et à ses approches de narration vraiment innovantes, le premier long métrage de Disney continue de se classer parmi ses meilleurs. Dans un sens, ce film est responsable de toute l'animation.

Diligence (1939)

Le Far West a été dépeint au cinéma depuis 1903, The Great Train Robbery, mais pas de manière très approfondie jusqu'à la fin des années 1930. Cela est dû au fait que les westerns muets étaient souvent très bon marché et ringards, et que lorsque les films parlants sont sortis, les studios de cinéma ont abandonné le genre parce qu'il était tout simplement trop cher. Bien qu'un certain nombre de films légendaires, dont Jesse James, Dodge City et Destry Rides Again, soient sortis en 1939, c'est le chef-d'œuvre Stagecoach de John Ford et John Wayne qui a complètement modifié le cours des événements.

Les méthodes du réalisateur pour filmer l'action occidentale et équilibrer la photographie de paysage avec des plans moyens et des gros plans définiront le langage visuel des films occidentaux pour les années à venir. La performance parfaitement assortie de Wayne et l'imagerie de Ford dans Stagecoach deviendraient instantanément emblématiques. La performance de Wayne dans ce film servira de modèle à presque tous les héros occidentaux pendant des décennies.

Les 400 coups (1959)

Avec Pather panchali et Petit Fugitif, Les 400 Coups, l'un des premiers films à porter un regard vrai et sincère sur l'enfance, a été l'un des premiers à inaugurer l'éternelle inspiration de la Nouvelle Vague française. Le film est centré sur un jeune Alain Delon, incapable d'arrêter de jouer en classe, se sent ignoré à la maison et coupé du reste de l'humanité. Au cours des 20 années suivantes, Truffaut réalisera quatre autres films sur l'exubérant et espiègle Delon, tous mettant en vedette le grand Jean-Pierre Léaud. Delon est une personnalité tellement emblématique.

Les Aventures de Robin des Bois (1938)

Errol Flynn et Olivia de Havilland dans Les Aventures de Robin des Bois, 1938, Warner Bros.
À la fin des années 1930, une variété d'images visuellement époustouflantes, allant de Gone with the Wind et +9 à Mystery of the Wax Museum et Doctor X, ont été produites grâce à la perfection progressive du cinéma couleur après des années d'essais et d'erreurs. Il y a une tonne de concurrence, mais The Adventures of Robin Hood peut se démarquer de la foule grâce à sa palette de couleurs vives Technicolor.

Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone, Claude Rains et Alan Hale donnent tous des performances attachantes dans le classique de Michael Curtiz, qui a été le premier grand film de Warner Bros. et est toujours agréable et passionnant 85 ans plus tard.

Le chariot fantôme (1921)

Avec le film merveilleux et vraiment hanté Le chariot fantôme, Victor Sjöström a créé une toute nouvelle esthétique avec des trucages de caméra et un montage brillant. Outre d'autres effets spéciaux révolutionnaires, Sjöström et son directeur de la photographie Julius Jaenzon ont contribué à créer une grande partie de l'horreur, de la fantaisie et du réalisme magique que nous connaissons et aimons aujourd'hui. Ils l'ont fait en utilisant une double exposition à huis clos avec de nombreuses couches.

Dans The Phantom Carriage, un conte effrayant du Nouvel An est raconté à travers la Suède hivernale, la dernière personne décédée avant que l'horloge ne sonne à minuit étant maudite pour recueillir les âmes de ceux qui décèdent au cours de l'année à venir.

Le septième sceau (1957)

L'effet d'aplatissement de l'ère du muet, qui homogénéise la nationalité en n'exigeant que du texte et des images, a sans doute contribué à la popularité et à l'acclamation du cinéma international. Cependant, ce n'est qu'avec le réalisateur Ingmar Bergman et en particulier The Seventh Seal que le cinéma international et «art et essai» est devenu répandu, important et même lucratif. L'année de la sortie du septième sceau, les Oscars ont créé la catégorie du meilleur film en langue étrangère, et les cinéastes et artistes ont tous autour du monde serait influencé par son esthétique incroyablement distinctive.

L'exploration existentielle sombre et les drames de chambre privés de Bergman ont servi de contrepoids idéal au Technicolor optimiste des années 1950 à Hollywood, et de nombreuses personnes ont découvert l'honnêteté et l'intégrité cinématographiques pour la première fois à l'étranger. Le septième sceau, qui suit un soldat revenant des croisades qui joue aux échecs avec la mort et parcourt la Suède avec un groupe d'artistes et d'interprètes au milieu de la peste bubonique, a perfectionné l'idéal d'art et d'essai désormais cliché et moqué des sombres méditations sur la mort. Contrairement à la croyance populaire, le film est en fait beaucoup plus drôle et intrigant qu'il ne l'est souvent. Cependant, ce qui le distingue vraiment des autres films, c'est sa saveur et sa philosophie étrangères distinctes.

Le Magicien d'Oz (1939)

Le magicien d'Oz est un spectacle visuellement spectaculaire et subtilement troublant du plus haut calibre. C'est un travail extrêmement imaginatif et magique. En anthropomorphisant son environnement de rêve et en le peuplant de personnes dynamiques et durables, Le magicien d'Oz puise dans l'inventivité de la jeunesse en construisant essentiellement un univers entier dans l'esprit du jeune protagoniste. Même si la production a été un cauchemar épouvantable, l'image est simplement une perfection technique (et musicale) et est adorée par les enfants et les adultes.

Troubles au paradis (1932)

Trouble in Paradise a ouvert la voie à des comédies intelligentes qui valorisaient le dialogue, la romance et l'intrigue plutôt que des justifications burlesques et narratives pour les décors avant que d'autres classiques à la parole rapide comme It Happened One Night et His Girl Friday ne viennent voler son tonnerre (pas qu'il y ait quelque chose de mal à cela ; Our Hospitality, Sherlock Jr. ou The Gold Rush pourraient certainement être ajoutés à cette liste).

Ce talkie-walkie attachant a été réalisé par Ernst Lubitsch, le premier grand maître des comédies romantiques, et il a énormément bénéficié de sa sortie avant les restrictions strictes du code Hays sur la sensualité et le comportement «immoral» à l'écran. Dans ce premier trésor amusant, deux amants criminels tentent d'escroquer une femme riche travaillant dans une entreprise de parfumerie, mais la romance complique les choses. Il a le même sens de la vitalité que les comédies romantiques contemporaines comme Amour fou et stupide ou Insomnie à Seattle.

Un Chien Andalou (1929)

Un Chien Andalou, souvent connu sous le nom de Un chien andalou, était peut-être le premier film surréaliste produit par les grands Luis Buuel et Salvador Dal. Il n'y a pas vraiment d'histoire ici; au lieu de cela, il existe un certain nombre de scènes emblématiques, peut-être métaphoriques, qui jouent à la fois avec la forme et le sujet tout en produisant des images inoubliables (des fourmis sur une main à l'image la plus emblématique du cinéma, un globe oculaire avec une lame sur le point de le couper). De futurs films audacieusement expérimentaux comme Meshes of the Afternoon, Dog Star Man et La Jetée seront influencés par Un Chien Andalou.

Dans nos portes (1920)

Pendant très longtemps, le grand Oscar Micheaux a été tenu à l'écart des canons du cinéma, mais ces dernières années, quelques belles rééditions ont permis à davantage de personnes de mieux connaître le premier véritable grand cinéaste noir. Travaillant en dehors du système des studios, les films indépendants de Micheaux mettaient l'accent sur les gens de la classe ouvrière de couleur et personnages féminins , deux choses que nous n'avons pas vues à Hollywood.

À l'exception du désormais perdu The Homesteader, Within Our Gates était le premier film de Micheaux et il continue d'être l'une de ses œuvres les plus importantes et les plus risquées. L'histoire tourne autour des luttes de Sylvia (une Evelyn Preer déchirante) alors qu'elle endure le racisme institutionnel à travers une série d'incidents catastrophiques, de relations amoureuses et de violence arbitraire.